Patricia Gutiérrez Arriaga: Lux Aeterna.
Skene Staff
Lighting and scenic designer Patricia Gutiérrez Arriaga on theatre, spirituality, minimalism, and finding meaning through light.
Lighting and scenic designer Patricia Gutiérrez Arriaga on theatre, spirituality, minimalism, and finding meaning through light.
Jay Duckworth explores theater’s sacred origins, tracing how performance began as ritual and endures as humanity’s oldest art.
In-depth interview with director Rebecca Miller Kratzer on collaboration, intuitive process, and redefining leadership in theatre.
Composer Jaimie Pangan on discipline, indie storytelling, and creating music that connects emotionally across film and games.
Explore how meditation and mindfulness can support theatre artists with focus, presence, emotional regulation, and creative sustainability.
Light is often treated as a tool, something functional, something additional. For Patricia Gutiérrez Arriaga, light is a way of thinking. A way of seeing. A way of building meaning long before anything reaches the stage.
Trained in architecture, Patricia arrived at theatre through a revelation that shifted her entire practice: the realization that space could be designed through light itself. That discovery opened a path that moved fluidly from architecture to museography and ultimately into theatre, where her work now lives at the intersection of structure, emotion, and restraint. Her designs for theatre, dance, and opera are marked by clarity and intention, often embracing minimalism not as an aesthetic shortcut, but as a rigorous discipline.
Patricia’s process is grounded in observation and listening. She walks. She watches films. She visits museums. Ideas surface not at the drafting table, but in motion, slowly revealing themselves through memory, sound, and sensation. Spirituality, symbolism, and architecture recur throughout her work, not as overt statements, but as quiet frameworks that give each element purpose.
In this edition of PROFILES, Patricia reflects on grief and resilience, on numbers as sacred language, on technology as a living action, and on the moment she realized that even unseen work can leave a lasting mark.
Había terminado mis estudios en arquitectura pero sentía como que algo me estaba faltando. Fue terminando la carrera que conocí en una conferencia a un arquitecto que se especializaba en diseño de iluminación arquitectónica y museográfica y saber que se podía hacer arquitectura desde la luz, me abrió una enorme ventana por la que entré al mundo de la iluminación y poco a poco fue evolucionando y llevándome de la arquitectura a la museografía hasta que aterricé en el teatro.
Ahí he podido aplicar mis estudios diseñando escenografía e iluminación para teatro, danza y ópera y desde que llegué… supe que era ahí.
I had finished my studies in architecture, but I felt like something was missing. It was toward the end of my degree that I met, at a conference, an architect who specialized in architectural and museum lighting design. Discovering that architecture could be practiced through light opened a huge window for me. Through it, I stepped into the world of lighting, and little by little that path evolved—leading me from architecture to museography, and eventually bringing me to theatre.
There, I’ve been able to apply my training by designing scenery and lighting for theatre, dance, and opera—and from the moment I arrived, I knew that was where I belonged.
Me es difícil enfocar en una sola obra tras 25 años de trabajo.
Tengo unas favoritas por haber sido de las primeras oportunidades que me dieron, otras por la gente con la que conviví, algunas por que me han llevado a conocer lugares y personas, otras por la complejidad de los procesos o por los espacios donde se han presentado…
Haciendo este recuento… creo que hablaré de una que combina un poco todos estos motivos.
DE LO SACRO
Se trata de una coreografía de 2014 que se realizó en Tijuana que intenta cuestionar el sentido de la espiritualidad, traduciendo preguntas existenciales a movimientos del cuerpo en escena. Una obra que, a diferencia de otros proyectos, se diseñó sin mucha más información que la de saber que se tomaría como base la música de La pasión según San Juan de Bach.
El camino que seguí fue el de escuchar repetidamente la música hasta que mis sentidos despertaron para encontrar una nueva forma de diseñar. Lo que tenía muy claro es que quería acompañar esta música tan hermosa con imágenes que mostraran la esencia de lo divino.
Tras tomar muchos caminos distintos, me vino el recuerdo de una clase de arquitectura religiosa que tuve durante la carrera en la que hablamos de íconos, donde los números tenían un lugar preponderante en la simbología. Así empecé a encontrar en los números un nuevo significado y un valor que representara otros elementos que nos pudieran conectar con lo sagrado.
De ahí descubrí que en la Biblia los números eran usados para transmitir ideas, mensajes o claves:
El 1 representa la unidad, el 2 la dualidad, el 3 la totalidad, el 4 el cosmos, el 7 la perfección, el 12 elección; de ahí las 12 puertas de Jerusalén o los 12 apóstoles. Esto empezó a volverse muy atractivo para mí porque le daba sentido al diseño y con ello comencé a darle valores numéricos a la cantidad de objetos propuestos o las proporciones de los mismos.
Entonces, se planteó el uso de 12 atriles, 4 bancas o un altar de 7 veces 7 lámparas fluorescentes que los bailarines podían manipular.
Con el mínimo de elementos conseguimos conformar espacios muy diversos y aunque la idea de los números no era evidente para el espectador, creo que iba cargando de sentido cada momento y resultó para mí un proyecto muy interesante y enriquecedor cuya solución aún me sigue sorprendiendo.
It’s difficult for me to focus on a single piece after 25 years of work.
Some works are favorites because they were among my first opportunities, others because of the people I shared the process with, some because they allowed me to discover new places and meet new people, others because of the complexity of the process or the spaces where they were presented…
Looking back like this, I think I’ll talk about one that brings together a bit of all those reasons.
DE LO SACRO
This was a choreography created in Tijuana in 2014 that sought to question the meaning of spirituality, translating existential questions into movement on stage. Unlike other projects, it was designed with very little information to begin with—beyond knowing that it would be based on Bach’s St. John Passion.
The path I followed was to listen to the music over and over until my senses awakened and I could find a new way of designing. What I was very clear about was that I wanted to accompany such beautiful music with images that revealed the essence of the divine.
After exploring many different directions, I remembered a class on religious architecture I took during my studies, where we discussed icons and the prominent role numbers play in symbolism. That’s when I began to find in numbers a new meaning and a value that could represent other elements capable of connecting us to the sacred.
From there, I discovered that in the Bible, numbers are used to convey ideas, messages, or keys:
1 represents unity, 2 duality, 3 totality, 4 the cosmos, 7 perfection, 12 election—hence the 12 gates of Jerusalem or the 12 apostles. This became very appealing to me because it gave the design a sense of purpose, and from there I began assigning numerical values to the number of objects proposed or to their proportions.
That’s how the use of 12 music stands, 4 benches, or an altar made of 7 by 7 fluorescent lamps—manipulated by the dancers—came into being.
With a minimal number of elements, we were able to create very diverse spaces, and although the idea of numbers wasn’t evident to the audience, I believe it infused each moment with meaning. For me, it turned into a very interesting and enriching project—one whose solution still continues to surprise me.
En general me gusta a parte de leer el libreto, ponerme en contexto sobre el autor y su tiempo o el tema que se aborda para poder hacer una investigación visual que voy depurando hasta encontrar un detonante para la propuesta.
También camino mucho y voy al cine o a los museos.
Cuando traigo en la cabeza el tema sobre el que hay que trabajar, estos escapes me ayudan e inspiran pues poco a poco se va develando a partir de lo que observo en el camino, de lo que escucho, de lo que veo o he visto en el cine.
No tengo que estar sentada 8 horas frente al restirador, sino que casi siempre encuentro la respuesta cuando voy a caminar.
Una vez que se devela la idea… entonces, me pongo a trabajar.
In general, beyond reading the script, I like to place myself in context—learning about the author and their time, or the theme being addressed—so I can carry out a visual investigation that I gradually refine until I find a trigger for the proposal.
I also walk a lot and go to the movies or to museums.
When I have the subject I need to work on in my head, these escapes help and inspire me, because little by little the idea begins to reveal itself through what I observe along the way, through what I hear, and through what I see, or have seen in films.
I don’t need to sit for eight hours in front of the drafting table; I almost always find the answer while I’m out walking.
Once the idea reveals itself… then I get to work.
Mi mayor desafío ha sido enfrentar asuntos personales en medio del desarrollo de proyectos importantes. Pasar duelos y pérdidas muy dolorosos sabiéndome responsable de esos proyectos ha influido de manera indiscutible en mi labor pues me han ayudado a sobrellevar la vida, a reflejar eso en las propuestas y en esos momentos el teatro me ha puesto en el camino junto a proyectos y personas que, sin saberlo, me dan soporte, inspiran, contienen y ayudan a levantar.
Esta pregunta me hace pensar también en la pandemia, que por un momento nos hizo parar y temer no volver a hacer lo que queremos. Pero el teatro es tan fuerte y tan grande que se levantó y nos levantó a todos.
My greatest challenge has been facing personal matters in the middle of developing important projects. Going through periods of grief and very painful losses while knowing I was responsible for those projects has undeniably shaped my work. They have helped me endure life, reflect those experiences in my proposals, and, in those moments, theatre has placed me alongside projects and people who, without even knowing it, have offered support, inspiration, care, and helped lift me back up.
This question also makes me think about the pandemic, which for a moment forced us to stop and fear that we might never return to doing what we love. But theatre is so strong and so vast that it rose again, and in doing so, lifted all of us with it.
He tenido la fortuna de haber colaborado como asistente por muchos años con Alejandro Luna y Tolita y María Figueroa. Ellos han sido para mí grandes maestros pues me enseñaron a ver más allá.
Soy amante del cine, de caminar y del arte, así que mis visitas a museos, caminatas o idas al cine me suelen inspirar sin ni siquiera estarlo buscando.
Para mí, todo lo que hago es fuente de inspiración y creo que se refleja en mi trabajo por la estética que manejo, que suele ser muy arquitectónica y muy minimal. Me gusta la sencillez que a veces es más difícil de resolver pues no se ve todo el trabajo que hay detrás para que un solo elemento sea contundente y responda a la complejidad de la obra para la que trabajamos.
I’ve been fortunate to collaborate for many years as an assistant with Alejandro Luna, as well as with Tolita and María Figueroa. They have been great teachers to me, because they taught me how to see beyond the obvious.
I’m a lover of cinema, walking, and art, so my visits to museums, long walks, or trips to the movies often inspire me without my even looking for it.
For me, everything I do is a source of inspiration, and I think that shows in my work through an aesthetic that tends to be very architectural and very minimal. I’m drawn to simplicity, which is sometimes the hardest thing to achieve, because all the work behind it isn’t visible—yet a single element must be powerful and respond to the complexity of the piece we’re creating.
El cambio a las nuevas tecnologías y la conciencia de pensar en el medio ambiente.
Para mí ha sido un reto el tema de la tecnología y confieso que me ha costado mucho trabajo entender. El otro día escuché decir en una película algo como que TECNOLOGÍA no es un sustantivo, sino que se trata de un verbo, una acción viva. Esta idea me encantó porque define perfecto lo que pasa con ella, estamos aprendiendo una cosa hoy y mañana ya hay una nueva. Es muy emocionante e impresionante todo esto para mí.
Y por otro lado intentar tener más presente que antes la conciencia del cuidado al medio ambiente, de reciclar o de utilizar menos elementos que al final terminan contaminando. El planeta es algo que me interesa mucho y que quiero respetar y cuidar cada vez más o con más conciencia sin que eso limite las ideas.
The shift toward new technologies and a growing awareness of environmental responsibility.
Technology has been a challenge for me, and I’ll admit it has taken a lot of effort to understand it. The other day, I heard something in a film along the lines of: technology is not a noun, but a verb; a living action. I loved that idea because it perfectly describes what’s happening with it: we learn one thing today, and tomorrow there’s already something new. It’s all very exciting and astonishing to me.
On the other hand, there’s the effort to be more conscious than before about caring for the environment—recycling, or using fewer elements that ultimately end up polluting. The planet is something I care deeply about and want to respect and protect more and more, with greater awareness, without letting that limit the ideas themselves.
Que desarrollen su curiosidad y se sumerjan en todos los temas posibles, que se llenen de referencias, que exijan más.
That they should develop their curiosity and immerse themselves in as many subjects as possible, they should fill themselves with references, and they should demand more.
Me encanta diseñar, lo disfruto mucho, y no sabría hacer otra cosa, pero… me pregunto muchas veces si sirve de algo…
He pensado que no se trata de la labor como la que hace un médico, un policía, un maestro; pero después de mucho reflexionar, de crisis existenciales sobre cómo aportar a la sociedad, pienso que el teatro también salva vidas, que alimenta el alma, que toca a algunas personas y que ya eso es un regalo.
Una vez dimos una función para público infantil donde al final de la función se ponía a los niños a dibujar sobre lo que habían visto.
Un niño dibujó un pequeño personaje en la cabina.
Ese día… mi percepción cambió. Pensé que todo había valido la pena. Pues que me bastaba que un niño se hubiera fijado en el trabajo que se hace detrás del escenario para hacerme continuar. Le dejé algo a alguien. Y eso para mí ya es una conexión.
I love designing, I enjoy it deeply, and I wouldn’t know how to do anything else, but… many times I ask myself if it’s really of any use.
I’ve thought that it isn’t the same kind of work as what a doctor, a police officer, or a teacher does. But after a lot of reflection, and many existential crises about how to contribute to society, I’ve come to believe that theatre also saves lives—that it feeds the soul, that it touches some people, and that in itself is already a gift.
Once, we performed a show for a young audience where, at the end, the children were asked to draw what they had seen.
One child drew a small character in the booth.
That day… my perspective changed. I thought that everything had been worth it. Knowing that a child had noticed the work that happens behind the stage was enough to make me want to continue. I left something with someone. And for me, that is already a connection.
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